⟪All That Endures: 이토록 변함없는 것들⟫
이희문 • 김우솔 2人展
2026.03.03 – 2026.06.01
아트룸 벗이 (경기도 용인시 기흥구 용구대로 2354 솔스퀘어 103)
오늘날 우리는 미처 적응할 틈도 없이 급변하는 세계를 살아가고 있다. 기술은 하루가 다르게 진화하고, 도시의 풍경은 끊임없이 세워지고 허물어지는 건물들 속에서 빠르게 갱신된다. 유행어는 순식간에 생겨났다가 사라지고, 우리가 사용하는 언어마저도 어느새 이전과는 다른 결을 띠게 된다. 그러나 이러한 변화의 소용돌이 속에서도, 시간의 흐름과 무관하게 여전히 자리를 지키는 것들이 존재한다. 자연, 사랑, 미학처럼 인간의 생과 사를 넘어 지속되어 온 가치들이 바로 그것이다.
이번 전시에 참여한 이희문과 김우솔은 그러한 ‘변함없는 것들’을 각자의 화폭 위에 옮겨 담는다. 자폐 스펙트럼을 지닌 두 작가는 언어 대신 붓과 색으로 세상과 소통하며, 모두가 분주히 흘러가는 일상 한가운데에서도 자신만의 고요한 시선으로 변하지 않은 대상을 응시한다. 이들의 작업은 숨 가쁘게 돌아가는 현대의 시간 속에서 잠시 걸음을 멈추고 호흡을 고를 수 있는 여백을 관람자에게 건넨다.
이희문은 자연과 가족이라는 근원적인 대상을 중심으로 작업해 왔다. 그의 화면에 등장하는 꽃과 새, 나무와 풍경 속에서 인간의 존재는 의도적으로 배제되거나 극도로 축소되어 있다. 꽃과 나무, 갈대숲과 물가, 그리고 그사이를 유영하듯 오가는 새와 오리, 고양이들은 인간 중심의 질서에서 벗어나 각자의 리듬으로 존재한다. 이는 인간의 편의를 위해 다듬어진 자연이 아니라, 생명 그 자체의 흐름이 존중되는 세계에 가깝다. 화면 곳곳에 배치된 선과 색은 대담하면서도 섬세하고, 반복과 리듬 속에서 고유한 질서를 형성한다. 즉, 그의 자연은 관찰의 대상이기 이전에, 스스로 완결된 세계로 존재하는 것이다. 마치 조용하나 울림이 깊은 대화를 건네받는 것처럼, 그의 작품은 소란스러운 현실과는 다른 속도로 흐르며 관람자에게 잊고 지냈던 고요와 온기를 조용히 환기한다.
김우솔이 주목하는 변함없는 것은 고전의 미학, 그중에서도 근대 회화가 축적해 온 시각 언어다. 그는 인상주의를 대표하는 모네의 색채 감각, 그리고 20세기 초 큐비즘의 조형화와 맞닿아 있던 샤갈 초기 회화의 영향 등을 자신만의 방식으로 재해석한다. 김우솔의 작업은 단순히 반복하거나 차용하는 데 머물지 않는다. 이미 역사를 장식한 양식들을 오늘의 시선으로 다시 호출하며, 그것들이 여전히 현재진행형의 감각임을 증명한다. 누군가에게 고전은 낡고 어렵게 느껴질 수 있지만, 김우솔은 고전이란 결국 세월의 시험을 견뎌낸 감동의 밀도라는 사실을 환기한다. 고전의 진정한 가치는 명성에 있는 것이 아니라, 시간이 아무리 흘러도 후세에게 여전히 감동과 전율을 불러일으키는 힘에 있음을 말이다.
두 작가는 공통으로 가족을 화폭에 담아낸다. 유한한 생을 살아가는 우리에게 사랑하는 이들과의 이별은 피할 수 없는 숙명이다. 그러나 그 얼굴과 몸짓을 캔버스와 종이 위에 옮기는 순간, 생명의 유한성은 다른 차원으로 이행한다. 작가와 그려진 대상이 언젠가 이 세상을 떠난다 하더라도, 작품과 그 속에 담긴 사랑은 영원히 남기 때문이다. 이는 예술이 지닌 지속성에 관한 이야기이자, 유한한 존재인 인간의 사랑이 어떻게 시간의 경계를 넘어설 수 있는지를 암시한다. 어쩌면 여태까지 우리를 지탱해 온 것은 이토록 변함없는 것들이리라.
⟪All That Endures⟫
Lee Hee Moon • Kim Woo Sol 2人展
March 3 – June 1, 2026
art room VERSI
Today, we live in a world that changes faster than we can adapt. Technology evolves by the day, and the urban landscape is constantly rewritten by buildings that rise and fall in rapid succession. Buzzwords emerge and disappear overnight, and even the language we speak subtly shifts before we realize it. Yet amid this vortex of change, there remain things that stand firm, untouched by the passage of time. Nature, love, and aesthetics—values that endure beyond human life and death—are among them.
In this exhibition, Lee Hee Moon and Kim Woosol translate such “unchanging things” onto their respective canvases. Both artists, who are on the autism spectrum, communicate with the world not through words but through brush and color. Even within the hurried flow of everyday life, they fix their quiet gaze on what remains constant. Their works offer viewers a pause—a space to slow down, breathe, and momentarily step outside the relentless tempo of contemporary time.
Lee has long centered his practice on fundamental subjects such as nature and family. In his paintings, flowers, birds, trees, and landscapes appear with the human presence either deliberately excluded or drastically minimized. Within fields of reeds and by the water’s edge, birds, ducks, and cats drift freely, existing according to their own rhythms beyond anthropocentric order. This is not a nature shaped for human convenience, but one in which the flow of life itself is respected. The lines and colors dispersed across the canvas are bold yet delicate, forming a distinct visual order through repetition and rhythm. His landscapes exist not merely as objects of observation but as self-contained worlds. Like a quiet conversation with a deep resonance, his paintings move at a different pace from the noise of reality, gently recalling a sense of stillness and warmth long forgotten.
What Kim regards as enduring is the aesthetic legacy of the classical tradition, particularly the visual language accumulated through modern painting. He reinterprets Monet’s sensitivity to color in Impressionism and the early painterly influences of Chagall that intersected with early-twentieth-century Cubist formal experimentation. His work does not simply replicate or appropriate. Rather, he recalls historically established styles through a contemporary lens, demonstrating that they remain living, evolving sensibilities. For some, the classical may seem distant or outdated. Yet Kim reminds us that the essence of the classical lies in its density of emotion—its ability to withstand the test of time. Its true value rests not in reputation, but in the power to move and stir future generations long after its creation.
Both artists share a common subject: family. For those of us who live finite lives, parting from those we love is an inevitable fate. Yet the moment their faces and gestures are translated onto canvas and paper, the finitude of life shifts into another dimension. Even if the artist and the depicted subjects eventually leave this world, the artwork—and the love embedded within it—remains. This speaks to the enduring nature of art, and to how human love, though born of finite beings, can transcend the boundaries of time. Perhaps it is these unchanging things that have sustained us all along.
⟪All That Endures: 이토록 변함없는 것들⟫
오늘날 우리는 미처 적응할 틈도 없이 급변하는 세계를 살아가고 있다. 기술은 하루가 다르게 진화하고, 도시의 풍경은 끊임없이 세워지고 허물어지는 건물들 속에서 빠르게 갱신된다. 유행어는 순식간에 생겨났다가 사라지고, 우리가 사용하는 언어마저도 어느새 이전과는 다른 결을 띠게 된다. 그러나 이러한 변화의 소용돌이 속에서도, 시간의 흐름과 무관하게 여전히 자리를 지키는 것들이 존재한다. 자연, 사랑, 미학처럼 인간의 생과 사를 넘어 지속되어 온 가치들이 바로 그것이다.
이번 전시에 참여한 이희문과 김우솔은 그러한 ‘변함없는 것들’을 각자의 화폭 위에 옮겨 담는다. 자폐 스펙트럼을 지닌 두 작가는 언어 대신 붓과 색으로 세상과 소통하며, 모두가 분주히 흘러가는 일상 한가운데에서도 자신만의 고요한 시선으로 변하지 않은 대상을 응시한다. 이들의 작업은 숨 가쁘게 돌아가는 현대의 시간 속에서 잠시 걸음을 멈추고 호흡을 고를 수 있는 여백을 관람자에게 건넨다.
이희문은 자연과 가족이라는 근원적인 대상을 중심으로 작업해 왔다. 그의 화면에 등장하는 꽃과 새, 나무와 풍경 속에서 인간의 존재는 의도적으로 배제되거나 극도로 축소되어 있다. 꽃과 나무, 갈대숲과 물가, 그리고 그사이를 유영하듯 오가는 새와 오리, 고양이들은 인간 중심의 질서에서 벗어나 각자의 리듬으로 존재한다. 이는 인간의 편의를 위해 다듬어진 자연이 아니라, 생명 그 자체의 흐름이 존중되는 세계에 가깝다. 화면 곳곳에 배치된 선과 색은 대담하면서도 섬세하고, 반복과 리듬 속에서 고유한 질서를 형성한다. 즉, 그의 자연은 관찰의 대상이기 이전에, 스스로 완결된 세계로 존재하는 것이다. 마치 조용하나 울림이 깊은 대화를 건네받는 것처럼, 그의 작품은 소란스러운 현실과는 다른 속도로 흐르며 관람자에게 잊고 지냈던 고요와 온기를 조용히 환기한다.
김우솔이 주목하는 변함없는 것은 고전의 미학, 그중에서도 근대 회화가 축적해 온 시각 언어다. 그는 인상주의를 대표하는 모네의 색채 감각, 그리고 20세기 초 큐비즘의 조형화와 맞닿아 있던 샤갈 초기 회화의 영향 등을 자신만의 방식으로 재해석한다. 김우솔의 작업은 단순히 반복하거나 차용하는 데 머물지 않는다. 이미 역사를 장식한 양식들을 오늘의 시선으로 다시 호출하며, 그것들이 여전히 현재진행형의 감각임을 증명한다. 누군가에게 고전은 낡고 어렵게 느껴질 수 있지만, 김우솔은 고전이란 결국 세월의 시험을 견뎌낸 감동의 밀도라는 사실을 환기한다. 고전의 진정한 가치는 명성에 있는 것이 아니라, 시간이 아무리 흘러도 후세에게 여전히 감동과 전율을 불러일으키는 힘에 있음을 말이다.
두 작가는 공통으로 가족을 화폭에 담아낸다. 유한한 생을 살아가는 우리에게 사랑하는 이들과의 이별은 피할 수 없는 숙명이다. 그러나 그 얼굴과 몸짓을 캔버스와 종이 위에 옮기는 순간, 생명의 유한성은 다른 차원으로 이행한다. 작가와 그려진 대상이 언젠가 이 세상을 떠난다 하더라도, 작품과 그 속에 담긴 사랑은 영원히 남기 때문이다. 이는 예술이 지닌 지속성에 관한 이야기이자, 유한한 존재인 인간의 사랑이 어떻게 시간의 경계를 넘어설 수 있는지를 암시한다. 어쩌면 여태까지 우리를 지탱해 온 것은 이토록 변함없는 것들이리라.
⟪All That Endures⟫
Today, we live in a world that changes faster than we can adapt. Technology evolves by the day, and the urban landscape is constantly rewritten by buildings that rise and fall in rapid succession. Buzzwords emerge and disappear overnight, and even the language we speak subtly shifts before we realize it. Yet amid this vortex of change, there remain things that stand firm, untouched by the passage of time. Nature, love, and aesthetics—values that endure beyond human life and death—are among them.
In this exhibition, Lee Hee Moon and Kim Woosol translate such “unchanging things” onto their respective canvases. Both artists, who are on the autism spectrum, communicate with the world not through words but through brush and color. Even within the hurried flow of everyday life, they fix their quiet gaze on what remains constant. Their works offer viewers a pause—a space to slow down, breathe, and momentarily step outside the relentless tempo of contemporary time.
Lee has long centered his practice on fundamental subjects such as nature and family. In his paintings, flowers, birds, trees, and landscapes appear with the human presence either deliberately excluded or drastically minimized. Within fields of reeds and by the water’s edge, birds, ducks, and cats drift freely, existing according to their own rhythms beyond anthropocentric order. This is not a nature shaped for human convenience, but one in which the flow of life itself is respected. The lines and colors dispersed across the canvas are bold yet delicate, forming a distinct visual order through repetition and rhythm. His landscapes exist not merely as objects of observation but as self-contained worlds. Like a quiet conversation with a deep resonance, his paintings move at a different pace from the noise of reality, gently recalling a sense of stillness and warmth long forgotten.
What Kim regards as enduring is the aesthetic legacy of the classical tradition, particularly the visual language accumulated through modern painting. He reinterprets Monet’s sensitivity to color in Impressionism and the early painterly influences of Chagall that intersected with early-twentieth-century Cubist formal experimentation. His work does not simply replicate or appropriate. Rather, he recalls historically established styles through a contemporary lens, demonstrating that they remain living, evolving sensibilities. For some, the classical may seem distant or outdated. Yet Kim reminds us that the essence of the classical lies in its density of emotion—its ability to withstand the test of time. Its true value rests not in reputation, but in the power to move and stir future generations long after its creation.
Both artists share a common subject: family. For those of us who live finite lives, parting from those we love is an inevitable fate. Yet the moment their faces and gestures are translated onto canvas and paper, the finitude of life shifts into another dimension. Even if the artist and the depicted subjects eventually leave this world, the artwork—and the love embedded within it—remains. This speaks to the enduring nature of art, and to how human love, though born of finite beings, can transcend the boundaries of time. Perhaps it is these unchanging things that have sustained us all along.